Des apparences en carton

Silhouettes afro-cubistes, rêves illusoires, le corps et l’identité niés. De La création du monde, Faustin Linyekula a créé pour le Kunstenfestivaldesarts un ballet engagé qui dénonce à la fois le colonialisme et la condition de danseur.

La création du monde au KVS (© Véronique Evrard)

Un costume de nylon extensible se meut sur les planches. Etiré, plié, contorsionné, écartelé, il est manipulé à l’envi. Des danseurs en survêtements mobilisent peu à peu l’espace, répètent des propositions, improvisent des mouvements amples et lents sur une musique tonitruante. Batterie, basse, guitare électrique, contre pesanteur, légèreté ou saccades. Les influences sont multiples, les danseurs polyvalents. Ils se courbent, s’épuisent. Parfois se blessent. Au devant de la scène, une jeune fille retire son jogging et enfile le costume élastique. Tous l’imitent. Ils revêtent leur uniforme de ballerine et délaissent leur individualité. Ils deviennent interchangeables. 

La création du monde au KVS (© Els De Nil)

Le seul danseur noir du spectacle, Djodjo Kazadi, s’occupe, tout tremblant, de mettre en place la reconstitution de La création du monde ; une œuvre de 1923, se voulant le premier « ballet nègre » et réunissant les talents de Fernand Léger, Blaise Cendrars, Darius Milhaud, Jean Börlin et les Ballets Suédois… mais aussi leur partialité. Pendant les Années folles, l’Europe était fascinée par l’Afrique, promesse d’une renaissance, et par ses arts « primitifs ». Cela se ressentait indubitablement dans les costumes et les décors de Léger (magnifiquement restitués dans cette version 2012), projections de l’imaginaire, parfaite négation de la réalité. Les influences occidentales étaient également présentes (pour preuves les références aux claquettes, à la danse classique, au jazz et au cubisme). 

La création du monde au KVS (© Els De Nil)

La faiblesse de ce ballet d'entre-deux-guerres a été de taire la violente réalité coloniale. C’est ce qu’a voulu dénoncer le chorégraphe congolais, Faustin Linyekula, en incluant l’œuvre originale, comme une citation, dans son spectacle. Son danseur, Djodjo Kazadi, s’insurgera d’ailleurs en fin de reconstitution contre l’absence de Noirs dans ce « ballet nègre ». Puis, partant du principe d’interchangeabilité des hommes de couleur aux yeux des Européens, il viendra à la comparaison Noir/danseur. Substituable, malléable, corvéable, la ballerine est le nègre du chorégraphe. Seul bémol à ce spectacle réfléchi et critique : on aurait pu se passer de cette litanie finale. Chacun avait noté que les figures africaines étaient des danseurs blancs affublés de costumes aux formes absconses, à la fois caricaturales et fantasmagoriques. Chacun avait remarqué le bouillonnement intérieur du danseur-spectateur noir à sa façon de bouger. Et il était plutôt aisé de comprendre l’analogie ballerine/«nègre» grâce aux tenues élastiques et aux éclairages en contre-jour qui plongeaient les danseurs dans la pénombre. La représentation aurait pu s’achever sans problème sur les spasmes de Djodjo Kazadi et les violons lancinants. Le procédé était assez parlant, et la fin en aurait gagné en force.

LA CREATION DU MONDE 1923-2012 (Centre Chorégraphique National – Ballet de Lorraine & Faustin Linyekula),

danse le 26 mai au KVS, à Bruxelles, dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts

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Texte Stéphanie Linsingh / Photo Véronique Evrard et Els De Nil

Le théâtre sans fard

Des acteurs qui n’en sont pas, une scène disloquée dans chaque recoin du KVS, des récits à la lisière du documentaire ; ce samedi 19 mai, dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts, Rimini Protokoll a une nouvelle fois renversé les codes propres au théâtre, avec Lagos Business Angels.

Amener la vraie vie sur les planches, ne pas s’encombrer des intermédiaires que sont les acteurs : telle est la devise des trois membres de Rimini Protokoll. Stefan Kaegi, Helgard Haug et Daniel Wetzel ont pour habitude de porter à la scène des « experts du quotidien », autour desquels ils tissent leurs spectacles. S’ils ne sont pas acteurs, les comédiens amateurs sont choisis pour eux-mêmes, pour les situations particulières qu’ils vivent ou ont vécues, et pour leur faculté à jouer leur propre rôle devant un public. Après The midnight special agency et Sabenation. Go home & follow the news, le collectif théâtral revient au Kunstenfestivaldesarts avec Lagos Business Angels. Le Nigeria et sa croissance économique sont au cœur du spectacle. L’esprit d’entreprise est d’une telle force à Lagos, qu’il tend à concurrencer celui des puissances européennes. Et si les pays émergents étaient en voie d’assister le Vieux Continent ? C’est autour de cette réflexion que la représentation s’articule. Le spectateur, muni d’un passeport codifié, déambule en petit groupe dans le dédale du KVS, accompagné par une entêtante musique sur les millionnaires. Il s’arrête à chaque étage, tantôt dans un coin de salle, tantôt dans un conteneur à l’arrière du théâtre, devant des stands qui rappellent les foires commerciales. Là, les « Business Angels » confient (en anglais, mais chaque intervention est retranscrite en français et en néerlandais dans le livret de la visite) leur histoire, leur success story, dans un brouhaha quelque peu incommodant. Se succèdent businessmen nigérians et européens : un marchand de poissons exotiques reconverti en conseiller dans le commerce du pétrole, un développeur immobilier tout vêtu de blanc, un concessionnaire automobile, une fabricante de pinceaux qui travaille au compte de la Commission des Crimes Economiques et Financiers, un chausseur, un pasteur, une conseillère en ressources humaines… Onze intervenants sont présents, mais chaque groupe de spectateurs ne peut rencontrer que sept comédiens avant le final, où tous se réunissent sur la scène centrale et mettent en exergue les relations de partenariat qui existent entre l’Europe et l’Afrique. Un sentiment d’insatisfaction surgit de ce choix contraint, tant on aimerait connaître les aventures de chacun. De la perplexité du départ, engendrée par la présentation chimérique des personnages entre récit, exposé, installation et auto-promotion, naît l’intérêt pour cette forme hybride de théâtre itinérant. Prendre le parti de faire endosser à chacun son propre costume génère naturellement une émotion plus vraie, chaque comédien étant convaincant comme personne d’autre ne pourrait l’être. Lagos Business Angels est comme un documentaire en chair et en os, et lorsque le rideau tombe, les acteurs n’ont pas de masque à retirer.

Lagos Business Angels au KVS (© Rimini Protokoll)

LAGOS BUSINESS ANGELS (RIMINI PROTOKOLL),

théâtre le 19 mai au KVS, à Bruxelles, dans le cadre du Kunstenfestivaldesarts

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Texte Stéphanie Linsingh / Photo Rimini Protokoll

Dépravés dans la mar(r)e

Rusalka, c’est la synthèse de diverses versions du mythe de l’ondine. Le livret de Jaroslav Kvapil puise sa source dans Undine de Friedrich de La Motte-Fouqué, La Petite Sirène d’Hans Christian Andersen, L’Ondine dans son étang des frères Grimm ou encore La Cloche engloutie de Gerhart Hauptmann. Mais une chose est sûre, jamais la légende romantique n’avait été adaptée comme à La Monnaie, façon cuissardes, mini-jupe et amours monnayées.

Stefan Herheim, le metteur en scène, a fait le pari fou de transposer l’histoire de la nymphe aquatique, prête à sacrifier sa voix et son immortalité pour des jambes et les beaux yeux d’un prince, en un conte moderne et provocant, à base de prostituées, de frustrations et de désirs. Dans cette production de l’opéra d’Antonín Dvořák, Rusalka (l’ondine) ne veut pas sortir de l’eau, mais quitter le trottoir pour le haut du pavé et l’amour d’un prince. Ježibaba, la sorcière, est une SDF, et sa grotte est une bouche de métro. Le prince est un marin. Le garde forestier est un hippie fumeur de joints, le marmiton un boucher, et le chasseur un policier. Quant à Vodnik, l’ondin, il n’est ici qu’un homme malheureux en ménage qui fantasme sur Rusalka.

Rusalka à La Monnaie (© La Monnaie)

Qui trop embrasse…

Alors que la musique est ravissante de simplicité (l’invocation à la Lune et le thème de Rusalka sont délicieusement entêtants), il n’est pas toujours aisé de s’y retrouver dans l’intrigue alambiquée. Aux entractes, les spectateurs établissent leurs théories. Vodnik est tantôt le souteneur de Rusalka, tantôt le client ; il est parfois même le père incestueux. Selon Carole Wilson (Ježibaba) et Frode Olsen (Vodnik), il s’agirait plus de l’histoire d’un homme, de ses désirs, de ses lassitudes et de ses obsessions que du complexe d’Electre. Mais les interprètes avouent eux-mêmes ne pas avoir saisi tout de suite quel était le nouveau sens donné au conte lyrique, tant il y a de couches et de détails. Il faudrait presque revoir l’opéra une seconde fois pour comprendre que Vodnik imagine toute l’histoire. On saisit, grâce à de subtils subterfuges, tels que les pyjamas lignés, les robes de chambre et les couleurs de cheveux, que Vodnik se rêve en prince et que la princesse passionnée est son épouse. En réalité, il regrette de l’avoir choisie à la froide Rusalka. Il projette alors ses fantasmes sur la prostituée qui travaille sous ses fenêtres et, éperdument frustré, il finit par assassiner sa femme.

Rusalka à La Monnaie (© La Monnaie)

Le plaisir des yeux

Si l’histoire parait un peu trop farfelue ou équivoque, la mise en scène de Stefan Herheim, les décors de Heike Scheele et les costumes de Gesine Völlm sont audacieux, tout en restant enchanteurs. Bien que l’intrigue se déroule loin d’un quelconque lac, l’eau est malgré tout présente, du début du premier acte, lorsque seul le bruit de la pluie accompagne des scènes de rue qui se répètent en boucle, à la fin du troisième acte, où un écran permet la projection d’un fond marin, en passant par de petits clins d’œil souvent placés dans le cylindre mécanique qui permet de faire apparaître une queue de sirène ou un chaudron bouillonnant. 

Rusalka à La Monnaie (© La Monnaie)

Les références aquatiques se retrouvent également dans la robe d’écailles de Rusalka ou encore lors de la scène qui célèbre le mariage princier et le règne de la débauche au milieu du deuxième acte : les sujets, déguisés en créatures marines, dansent sous une pluie de confettis au parterre de La Monnaie, sous l’œil surpris et amusé des spectateurs, tandis que la vierge Rusalka se meurt. Puis, il y a ce carrefour, lieu de mille chorégraphies (à chaque note son geste !), reconstitué par un jeu de miroirs, cette cathédrale imposante, le bar rétro des nymphettes, le sex-shop aux danseuses gonflables qui se transforme en boucherie puis en Pronuptia, la bouche de métro et le lieu du crime : l’immeuble de Vodnik. L’impression de profondeur et les lumières donnent à voir un véritable petit bout de ville. La confusion semble être le maître-mot de cet opéra, comme si en sortant de la salle, l'audience était aussi troublée que Vodnik à sa reprise de conscience.

Rusalka à La Monnaie (© La Monnaie) 

RUSALKA, 

opéra du 6 au 16 mars à La Monnaie, à Bruxelles

à voir en streaming sur le site MyMM jusqu'au 26 avril

www.lamonnaie.be

Texte Stéphanie Linsingh / Photos La Monnaie De Munt

Les voix de la raison

Jouée pour la première fois en 1917, La Rondine n’est peut-être pas l’œuvre la plus connue de Puccini, mais elle avait le mérite d’aller à l’encontre de ce que le compositeur appelait « l’horrible musique du temps présent », celle de la guerre.

Les hirondelles sont avides de liberté, mais paradoxalement fidèles à leur nid ; au détour d’une anecdote, José Cura résume l’intrigue de La Rondine. Cette comédie lyrique en trois actes est en réalité une simplissime histoire de cœur. Madga, une courtisane parisienne alors entretenue par le riche banquier Rambaldo ne rêve que d’amour. Elle s’éprendra du jeune Ruggero et le suivra jusque Nice avec la complicité de sa femme de chambre Lisette et du poète Prunier. Mais après quelques mois de romance et d’endettement, rattrapée par le passé qu’elle avait jusqu’alors caché, elle quittera Ruggero et retournera dans sa cage dorée. Le sujet semble peut-être éculé, comme le fait d’ailleurs remarquer Rambaldo au début du premier acte, mais comme le reprend Magda : « l’amour est toujours idée nouvelle ». La force de Puccini est d’avoir réussi à dépeindre des sentiments complexes et à les marier à une musique légère, teintée de valse et ponctuée de hardiesses harmoniques et rythmiques. Pour La Rondine, José Cura prend en charge la direction musicale, la mise en scène, les décors et les costumes. L’artiste éclectique est aussi, et avant tout, un ténor au talent indéniable. La diversification l’empêche certainement de se retrouver enfermé, comme une hirondelle, dans l’une ou l’autre cage dorée. 

José Cura (© Cuibar Productions / Ben Cura)

La RONDINE (L'HIRONDELLE), 

opéra les 6, 8, 10, 11, 13 et 15 mai à l’Opéra national de Lorraine, à Nancy

www.opera-national-lorraine.fr

Texte Stéphanie Linsingh / Photo Ben Cura (Cuibar Productions) 
A lire dans le magazine NOVO n°19

Batmen

Le hasard fait bien les choses. En cette fin d’année, l’opérette La Chauve-Souris, adaptation du vaudeville Le Réveillon, sort de l’ombre, et plutôt deux fois qu’une ! L’occasion de s’entretenir tour à tour avec les metteurs en scène, contagieusement passionnés : Philipp Himmelmann pour l’Opéra national de Lorraine d’une part et Waut Koeken pour l’Opéra national du Rhin d’autre part.

Après L’Enlèvement au Sérail, on vous retrouve à nouveau à l’Opéra national du Rhin pour Die Fledermaus. Avez-vous une affection particulière pour la musique de Johann Strauss Fils ?

Waut Koeken (metteur en scène pour l’Opéra national du Rhin) : Oui et cette affection, cet amour même, a grandi en travaillant sur Die Fledermaus. Le génie de la pièce m’a vraiment touché. Strauss a écrit beaucoup d’opérettes, toutes assez chouettes, mais ce ne sont pas de grandes pièces de théâtre. Strauss lui-même a toujours dit qu’il n’était pas vraiment un homme de théâtre, mais plutôt un poète, un compositeur de musiques poétiques pour la danse. Selon moi, la plus grande réussite de Strauss dans Die Fledermaus est d’avoir fait de la valse la clé de sa dramaturgie.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de vous consacrer à cette opérette ?

Philipp Himmelmann (metteur en scène pour l’Opéra national de Lorraine) : L’ironie de la musique m’a beaucoup plu, mais c’est surtout le sujet de cette opérette qui m’a intéressé : Die Fledermaus reflète le contexte de crise économique de la fin du 19^e siècle que l’on peut comparer à la situation que l’on connaît aujourd’hui. Nous tentons d’oublier les difficultés de la vie quotidienne liées à la crise économique ; il en est de même pour les personnages de Die Fledermaus. Ils essaient d’échapper à la réalité et tentent de s’amuser éternellement. Ainsi, ils vont de bal en bal pour oublier. Il y a une phrase qui m’a interpellée dans le texte et qui peut se traduire par « heureux est celui qui arrive à oublier ». Je trouve cela très actuel.

La Chauve-Souris à l'Opéra national de Lorraine (© Armin Bardel) 

Vu son caractère intemporel, avez-vous décidé d’ancrer l’histoire de nos jours ou avez-vous conservé le contexte authentique ?

W.K. : J’ai respecté le contexte authentique, sans pour autant être illustratif. Le scénographe, la costumière et moi avons décidé de ne pas transposer l’action en 2011, mais d’utiliser le contexte historique pour montrer qu’il y a quelque chose de beaucoup plus universel dans l’histoire et surtout à travers la musique.

P.H. : De nos jours, au Bal de l’Opéra de Vienne, on retrouve encore plus ou moins les mêmes costumes qu’à l’époque : les hommes portent une queue de pie et les dames de belles robes de bal. Presque rien n’a changé, mêmes les décorations sont assez similaires. Dès lors, dans l’opéra, on verra des costumes d’aujourd’hui comme au Bal de l’Opéra de Vienne, ce qui rend la pièce intemporelle et permet de se concentrer sur le thème essentiel de l’œuvre : comment désire-t-on mener sa vie ? Souhaite-t-on s’amuser éternellement, perdre le contact avec le réel et glisser jusqu’à l’enfer ? Ou est-on prêt à se confronter à la réalité ?

Les interprétations de l’identité de la chauve-souris varient selon les personnes. Le chorégraphe Roland Petit, dans son adaptation de l’œuvre en ballet, voit en elle le mari volage, d’autres y voient le Dr. Falke tirant les ficelles de sa vengeance. Qu’en est-il pour vous ?

P.H. : La chauve-souris vient du déguisement du Dr. Falke, humilié par Eisenstein et animé par la vengeance. C’est donc le symbole de la revanche, qui demande beaucoup d’énergie et au final, nous laisse vides et insatisfaits.

W.K. : Selon moi, il s’agit d’un symbole pour la folie, mais aussi pour l’échappatoire, le désir de chacun de fuir dans une sorte d’ivresse et de jeu de rôle où l’on peut assumer son identité.

Die Fledermaus à l'Opéra national du Rhin (© Jutta Missbach) 

Quels sont les thèmes que vous avez souhaité mettre en avant ? S’agit-il de la vengeance, des mœurs légères, de l’aspiration à la richesse ou à l’oubli ?

W.K. : Les deux grands thèmes de l’opérette sont, pour moi, le désir des personnages d’oublier la banalité de la vie quotidienne et le jeu de rôle que nous jouons tous dans la vie. Ces deux aspects sont mélangés chez Strauss d’une façon extrêmement touchante et intelligente. J’ai trouvé la clé de la production un jour où j’étais à Vienne. Dans la cour du Musée du Théâtre, il y a un mur sur lequel il est écrit une citation du comédien Riszard Cieslak qui dit : « nous jouons tous tant de rôles dans la vie qu’il suffirait d’arrêter de jouer pour faire un théâtre extraordinaire ».

P.H. : Il s’agit de chacun de ces aspects. Cette pièce parle surtout de la tendance à chercher le bonheur dans l’oubli, de la vengeance, mais aussi de l’amour et du besoin de flirter, de séduire, au détriment de l’amour profond. Pour moi, le couple Eisenstein-Rosalinde est désespérant car ils pourraient tous les deux être capables de vivre un bel amour, mais ils n’y arrivent pas à cause de leur instinct et de la situation dans laquelle ils évoluent au sein de cette fête éternelle qui, malgré son apparence heureuse, se révèle être l’enfer, comme le décrivait Sartre dans Huit clos. Ils sont tellement distraits qu’ils ne peuvent pas se concentrer sur la personne aimée.

Ces thèmes dictent donc l’atmosphère de votre mise en scène ?

P.H. : Oui, il y a l’atmosphère éternelle de la fête, du bal, et surtout des instants après minuit, lorsque les gens ne se contrôlent plus totalement. On y retrouve l’ambiance du Bal de l’Opéra de Vienne, mais aussi celle de l’enfer. Pour cet enfer, le diable et le feu ne sont pas nécessaires, il suffit juste des autres.

 Die Fledermaus à l'Opéra national du Rhin (© Jutta Missbach)

Quel était votre souci principal pour la mise en scène ?

W.K. : J’espère surtout avoir trouvé une certaine poésie car il y a plein de moments, notamment à la fin du deuxième acte, où il n’y a presque pas d’action théâtrale, mais seulement une pure poésie musicale qui tient l’action. Pour cela, on a essayé de créer une scénographie qui n’est pas trop réaliste, qui évoque plutôt que montre, où le sentiment d’être ivre de champagne, de musique et de danse domine. 


Die FLEDERMAUS (La Chauve-souris),

opéra les 10, 12, 17, 19, 26, 27 décembre à Strasbourg, les 18, 20, 23, 27, 29, 31 décembre à Nancy, les 4, 6, 8 janvier à Mulhouse et le 20 janvier à Colmar

www.opera-national-lorraine.fr

www.operanationaldurhin.eu

Texte Stéphanie Linsingh / Photos Armin Bardel et Jutta Missbach

A lire dans le magazine NOVO n°17

Transie d’espoir

La petite mendiante d’Andersen craquera ses dernières allumettes à l’Arsenal, dans un crépitement de poésie. Loin de l’accablement ou de tout théâtre moral, la compagnie théâtrale L’Escabelle rend hommage au pouvoir de l’onirisme enfantin.

La petite marchande d’allumettes de ce siècle ne subit plus son destin, elle provoque l’imaginaire et tire la langue à la froideur et à l’avidité de notre monde. Elle brûle ses précieuses allumettes, son gagne-pain, afin d’assouvir un besoin tout aussi vital que celui de manger, boire ou avoir chaud : celui de rêver. Heidi Brouzeng, la conceptrice et interprète d’Une vendeuse d’allumettes nous confie que le conte d’Andersen l’a beaucoup touchée et fait écho à une histoire qu’on lui a rapportée : « On raconte que durant la seconde guerre mondiale, une famille juive se cachait et était très rationnée en nourriture. Cependant, tous les jours, le père prenait de la mie de pain pour en faire des marionnettes et inventer des histoires à ses enfants. J’y retrouve ce besoin très impérieux, évoqué dans le conte, de rêver, de s’extraire de la misère et de se projeter dans un monde plus beau ». Pour la compagnie théâtrale L’Escabelle, la vendeuse d’allumettes a les cheveux bleus et de grands yeux. Un clin d’œil aux mangas histoire de permettre aux enfants de s’identifier à elle de manière positive : elle est une héroïne et malgré le drame qu’elle vit, elle est pleine de vitalité et a une grande soif d’amusement. « Puis, en l’absence de texte, il fallait que la narration passe par d’autres médias », explique Heidi Brouzeng, « d’où ce référent manga, les allégories, l’atmosphère lumineuse et sonore, la chorégraphie qui accentue le dessin corporel déjà exagéré, grandi comme dans un théâtre masqué. » Tout est mis en œuvre pour rendre le personnage onirique. D’ailleurs, sur le masque que porte l’interprète, le trait le plus accentué n’est autre que le regard.

une vendeuse d’allumettes,

théâtre le 26 novembre à l’Arsenal, à Metz

www.arsenal-metz.fr

Texte Stéphanie Linsingh / Photos Arnaud Hussenot Desenonges

A lire dans le magazine NOVO n°17

Au diable l’âme

Stravinsky, compositeur pluriel, ouvre la programmation 2011/2012 de l’Opéra national de Lorraine, avec The Rake’s Progress, Les Noces et Le Sacre du Printemps. Le cycle s’amorce avec la fresque d’un libertin en perdition.

Des ballets aux musiques religieuses, des compositions pour orchestre aux opéras, la carrière d’Igor Stravinsky est faite de mutations stylistiques. Entre une messe et une cantate, à la croisée de la période néo-classique du compositeur russe et de sa période sérielle, un ovni : The Rake’s Progress, truffé de références aux Don Giovanni et Così fan tutte de Mozart. Cet opéra en trois actes de 1951, dans lequel s’entremêlent adroitement drame et éléments comiques, donne vie à une série de huit gravures évocatrices de l’artiste anglais William Hogarth et dépeint avec mordant les tribulations d’un garçon crédule appâté par le gain, le plaisir, la reconnaissance et la liberté. Tom Rakewell (ténor), « le bien débauché », doit épouser Anne Trulove (soprano), « véritable amour ». Mais il refuse l’offre d’emploi que le père de la jeune fille (basse) lui propose et préfère partir sans elle à Londres, sur les conseils d’un certain Nick Shadow (baryton), incarnation du diable, afin d’hériter de la fortune immense d’un oncle inconnu. Nick pousse Tom au libertinage et l’encourage à fréquenter le bordel de Mother Goose (alto), avant de le convaincre d’épouser une femme à barbe. Il exploite ensuite la naïveté du garçon et l’incite à dépenser jusqu’à son dernier penny dans une machine qui transformerait miraculeusement les pierres en pain. Se voyant déjà bienfaiteur de l’humanité, Tom se ruine et c’est alors que Nick lui propose une chance de rachat : une annulation de dette contre son âme jouée aux cartes. 

The RAKE’S PROGRESS

opéra les 29 et 30 septembre et les 2, 4 et 6 octobre à l’Opéra national de Lorraine, à Nancy

www.opera-national-lorraine.fr

Texte Stéphanie Linsingh / Photo Jef Rabillon

A lire dans le magazine NOVO n°16